莫肇生：中国画的认同

莫肇生，中国美术家协会会员，中央文史研究馆书画院研究员，粤港澳大湾区美术家联盟副主席，广东省中国画学会副会长，广东省政协书画院特邀理事，广东省美术家协会中国画艺委会委员，广东画院签约画家，中央美术学院继续教育学院特聘教师、广州美术学院中国画学院外聘教师，清华大学美术学院书画高研班导师，珠海艺术职业学院客座教授，惠州学院兼职教授，肇庆市政协书画院副院长，肇庆市中国画学会会长，广东省珠江书画院院长，高级工艺美术师。

风雨无惧共奋进南山高仰现曙光 莫肇生 160cmx68cm2020

风雨山外山 莫肇生 98cmx40cm2013

中国画的认同

文/莫肇生

什么才是中国画？什么才是好的中国画？看了大家的作业，发现很多人都没有进入这个状态，今天想跟大家聊一下中国画评判的问题。

从古到今，对中国画的评判，一直到清代，都是根据传统文化，传统的意识，对自然的认知等作为标准，都是祖先流传下来的，没有太大变化。从辛亥革命开始，康有为、梁启超、到孙中山、高剑父，我们中国从帝制到民国，政治的变化自然而然影响到艺术，为什么中国画是首当其冲被拿来议评，而不是京剧等等。因为绘画是世界性，这时期不少人到外国去学习过，接触到西方的绘画，很写实，很科学。如果中国要变革，首先想到的就是从绘画开始。那时认为中国画已经到了穷途末路，清末四王在中国画上面走到一种程式化的极端，整个绘画的程序，样式，也形成了标准，变成了一种套路，没有求变，求新，没有了个性化。但是事实不能只从这个方面看，除了四王，还有四僧，金陵八家，扬州八怪，他们也是很有个性化，很丰富的。像八大，他把中国画意象这一方面发展到一个高峰，把个人的情绪在笔墨里面体现到淋漓尽致。我们要怎么去评判艺术品，评判中国画，我这里只有一句话：个性化。没有个性化，什么艺术都是假的。就像梅兰芳用他特有那种声腔，他的个性的张扬和强烈，形成他独特的艺术感。又像梵高，他的用笔，色彩，情绪，现场感觉变化，通过这些变化用自己的思维强调在艺术品里面。我们到他创作《星空》的地方看，是看不出作品的样子，只有梵高的眼睛能看到那样的星空，这就是个性化。

艺术缺乏个性以后，就变成平庸匠气。所以我们学习艺术，不要全走到一起，要分开，要根据个人的喜好去学习和发展，不管好坏，形成自己的面貌才是艺术。我曾经在内蒙设计过一个大厅里面的一组吊灯，结算时按照工艺品计价，艺术品和工艺品相差的价格是10比2的比例，当时就争论这是工艺品还是艺术品的问题，工艺品是重复的，不断重复一个样式，普遍性的，商品性的，那是工艺品。艺术品是由艺术家完成的作品，独一无二的。所以我们如果学习艺术，就要有独创性。比如你拼命的临摹石涛的，别人一翻就是石涛，再一翻又是石涛，那就是工艺品了，跟我们画匠没区别。所以我们判断一幅画的时候，不是判断他画的像什么，特别是中国画，关键是有没有把自己个性彰显出来，这是最主要的。我们那天看画展范阳老师的作品，范阳为什么是范阳，他用笔的特点是什么，他从哪个人的身上学了什么，又怎么用到自己身上，而不是照搬。所以我们要明确的这一点，艺术品跟工艺品，创造跟临摹、翻造、翻摹是两回事。

苍山祥云 莫肇生 310cmx280cm2011

云紫风清 莫肇生 220cmx180cm 2019

我经常讲到“气”。加一个字，真气，跟假的对立。我们常说画画不要造作，就是不要离开真，是出自内心的，是艺术家的修养，对艺术的判断，自己的生活经历，对艺术的态度等，形成的内在的东西。

真气就是艺术家内在的精神，这决定了艺术品的好与坏，决定他的层面像古人说的是神品还是逸品，到哪种品味。判断一个艺术家的作品时，就看他的内在的真气，如在作品里面显露出来，你会感觉很亲切，很有感觉，跟你有交流，而不是格格不合的，矫揉造作的。

画如其人，人品跟画品是一样的。他能对你有所触动，这种触动可以是使人向上的，或者使人平静的，而中国画真正的是能使人平静。我们回头看古代的绘画，山水、花鸟，给人很平静很安逸的感觉。在文革时期的宣传画是喊口号的，是鼓励你去干一些事情，这又是另外一种。现在一些人物画就像宣传画，口号式的，又使中国画走向另一种形式。跟我们中国画本性的东西相去甚远。不是我们说非要追求委婉，隐约，平静淡泊的状态，而是要出自作者的真情。

黄宾虹最大的贡献就在把这个气，跟太极结合起来，粗的跟细的呼应，实的跟虚的交搭，中国画就在太极这种运动的方法里完成的。所谓气韵生动，就像太极这种生生不息的，阴阳的变化，不停的转换，虚实相生的状态，所以气决定了中国画的思维方法。所以我们判断一张中国画好与坏，要看他的气通不通，气是排在第一的，很重要。

和风净气 莫肇生180cmx180cm2011

除上面所述的基本状态外，还可从下面几方面去分析。

笔墨

毛笔这种工具决定了中国画的命运，它的形态，特性造成它的效果。笔的变化，从笔尖到笔肚，每一个地方都可能用到。墨是从笔出来的，我们要先理解这个笔。绘画跟书法是有区别，虽然我们常说以书入画，但书不能替画，用笔是有区别的，中国画的用笔比书法更加变化多。大家常争论没有书法基础不能画好中国画，虽然这是有依据，但书不等同于画，绘画的用笔要比书法更加丰富。我跟黎雄才先生的时候，看他常用山马笔来画，笔毛比较硬挺，画松树的时候，笔已经岔开了，用到没有什么水份时，他就用岔开的那几根毛来画树梢最精彩的地方，把笔用到极致。

中国人常说以柔制刚，柔中带刚，毛笔做到了。张彦远说骨法用笔，生死刚正谓之骨。骨跟生死联系，有骨才有生命。刚不是钢笔，不是钢铁，中国人理解事物不是单纯从物理的角度，而是用精神去赋予它，刚气，正气，做人一样。林丰俗老师跟我说过，例如这是你在艺术上选择的一条路，你可以往左一点，往右一点，最后还是要回归到这条路上，不在这条路上的，就不能用这条路的标准去评判他。好像吴冠中，如果用中国画的标准去说，精神上他做到了，笔墨上没有做到，但我们可以说他是彩墨画，或者就是一个艺术品，在那个路上，他做得很好，非常到位。但我们不该用中国画的标准去评判他。这个世界是多元化的世界，随着经济科技的发展，多元在艺术上也是一样，不管什么材料什么介体，都可以作为艺术创作的元素，我们要允许不同的艺术形式共存，他在这条路做得好，他在那条路做得好，都可以是第一，当代水墨不能用中国画的标准去评判，两样东西没什么可吵架的，不同的路子，有各自不同的评判标准。所以谈中国画就不能离开笔墨。在中国画里面，笔墨已经不是一种工具，材料，技法，它是一种精神的状态，所以决定了中国画的判断要有笔墨精神在里面。

清远2018 莫肇生138cmx68cm

秋暧2018 莫肇生138cmx68cm

文化性

在中国画里面不单是绘画的概念，其包括很多文化层面的信息。包括画家的群体，从古代来说，出名的都是文人墨客，有学识的诗人，文学家，为官的等等，都有很厚的文化底蕴。现在不是了，谁都可以画画，以前是真正只有文人才去画画。文人画文人画，以前都是有文化的人画的，各方面知识都很厚，不厚的已经被历史淘汰了。所以中国画有文化性这个概念的体现。其呈现的已不单是形象，更多的是一种文化信息。

万壑泉声松外去 莫肇生 48cmx46cm

诗性

一开始影响到中国山水画的是山水诗，跟我们平常去到一个地方很直白地说：“啊好美啊！”不同。是通过语言、词汇、各种手法等委婉地表现，体现出意境。你要找到那首诗出处的地方，尽管它保留了原来的样子，但你可能根本看不出诗意，因为那是诗人他自己心中的境，有他自己的感情在里面。可能地方没变，只是人变了。所以诗对中国画产生的影响非常大，常说画中有诗诗中有画，诗情画意。

说到山水画，我常说我们要经常走到山里面，跟大自然去交流，那是神交。想一下，在人类出现之前很久，那座山就已经待在那里，大自然通过很长的时间，从一个混沌的状态慢慢演变成现在的样子，人类才多少年？我们凭什么斗天斗地？有什么理由去改造自然，我们没有那个权力。我们只能用一种敬畏的心情，在他面前顶礼膜拜，求得一点精神上的东西。我们画山水的人，对它不敬重不敬仰，画不好山水。大自然的生化、生息是不以人的意志而转移的，如果人干预了，就把自然给毁了。每年登珠穆朗玛峰都死不少人，如果你老是想着征服自然，最后就是自然还在那里，而你没了。山在中国人心中，不单是一个山，是神圣的，当我们还未了解自然的时候，就会将它当成神，皇帝会去朝拜，藏民会去绕山朝圣。古人对山水的崇拜和敬畏，才有了山水诗和山水画。

生息与共·雨林 莫肇生200cmx165cm

苍润

黄宾虹的浑厚华滋，从笔墨到内在精神，已经不是山和树的概念，都混在一起，地球最初的混沌状态，正好体现阴阳变化。苍润并济，苍润是笔墨的最高境界。在笔墨方面，能把苍和润两个对立概念统一到一起，黄宾虹做到了最高。苍往往体现人的骨气和品格，润是体现感情和情趣。我们看李可染，黑的地方又非常透，像用光从后面打出来，其做到了苍润。

化

这是我从倪瓒的画里看出来的。如果说苍润是笔墨最高境界，化就是神界，当一幅作品走到化境的时候，已经跟我们人类，跟我们肉体，个体，视觉都没关系了，是在天上飘的。跟我们的精神，灵魂有关系。我看倪瓒画的石头，找不到一笔从哪来从哪去，找不出他的用笔是怎么用的，折带皴只是后人起的名字，但是你折不出那种味道。从古到今很多人临摹倪瓒，但都没人做得到，我看到最好的就是沈周临摹的一幅，在苏州美术馆看到的。但还是达不到这个境界。很多古人评论艺术品的逸品、神品，我觉得还没说到这个份上，我觉得化境是最高的，可能一辈子做不到，或者几十代人做不到。看作品的时候，会发现一些偶发的东西，不是用笔能做到的，可能是神助，倪瓒就做到了，进入他的作品以后马上就有化的感觉。什么是化呢，刚才说了就是看不出来龙去脉及用笔的方向。龙瑞老师跟我说，倪瓒能用淡墨做到这个份上，轻中见重，淡中见厚，见重量。后来我看倪瓒的画，他是用这种状态做到这个份上的，那就是化的状态。可能有些人某些时段或偶发可能做到，但倪瓒能长期保持，很难。看看他的经历，洁癖到让书童去洗干净那梧桐树，他已经到了另外一种境界了，只有他这种人才能做到这个份上。所以判断一幅作品时，我们虽然不是他那样的人，但要知道好坏，能分。

苍润，化境就是两个很重要的评判标准，如果没有做到，只能说是画家，不能称为大师，不像我们现在，到处都说是大师，留个胡子和长头发就是大师，不是那么回事。

河曲绕梦 莫肇生 200cmx165cm

新和美

现在常说我们中国画没创新。所谓新是什么，艺术在历史长河里面，不断变化，流传下来，他永远都是新，除非他不流传，灭亡，他就死了。不是你拿着油画颜料覆盖在宣纸上就是创新。该不该创新，如何创新，我觉得在这是没有必要讨论的问题，新不新不是我们说了算，是后人说了算，留给后人去评判，跟我们没关系。艺术是讲个性，讲品味，不是讲新旧，你有个性有品位了才能谈新，没有的话谈新有什么意义。新只是一个时间段而已，很快就会旧的。所以我不说什么创新，只有个性的彰显，才是真正的艺术品。新只是一个时间概念，美才是永恒的，美就是完整，从结构，笔墨等达到很完美才能流传下来，流传下来的才是经典的，永恒的。所以我们判断艺术品不是看新不新，是看有没有美感，能否流传下来。

云开巫峡千峰出 莫肇生48cmx46cm

养静

学习和欣赏中国画，对一个人有修心养性的功能。孔夫子说的教化，与艺术品的教化不同，它是通过隐喻的，诗意的表达，去感动人的灵魂，去调整人善良的心态，使人从中得到修心养性，这就是中国画的功能性。

个性和品味

过几天去看画展的时候，大家注意几个人：范阳，林容生，方向，他们都找到自己方向。像林容生的重彩，是用生宣去画的，不一定要用熟宣，非常的安逸宁静，我跟他打过交道，他的人也是如此，说话声音也不大，很安静的一个人。而范阳就是就很活泼很热情的，看他的用笔也是有灵动跳跃的感觉，也是找到自己的去向。方向是用他那种用笔的结构，配搭，来表现，也是一个安静的人。有个性没品味也没有用，品味跟你个人做人做事的风格有关。

巍巍恒宗 莫肇生 38cmx35cm 1999

秋雨 莫肇生 48cmx45cm 2005

境界和趣味

一个画面有什么境界，不是一个平淡的对象的表述，而是精神层面的体现。趣味包括笔墨的趣味，画面的趣味，像林丰俗老师田园的趣味，生活的趣味。

功利问题

功利就是咱们中国画是干嘛的，我觉得应该是一种人文关怀，对这个世界生灵的一种关怀。艺术品的价值在于净化人的心灵，净化人际关系，人与人之间通过对艺术品达到认同共识，找到一种高尚的愉悦的状态。山水画不会喊口号，讲大道理，简单说就是能使人向善。中国山水画给人的感觉就是很慢，很静，很淡雅，判断中国画时经常会出现这些字眼。作为一个艺术家要把自己的人格、精神调养好，你是怎样的品格，画自然会有什么样的状态。对文化的修养和认同，包括之前说的，大家怎么去理解，都会决定你的作品最后能不能做到某种境界。人的境界有多高，画就有多高，心有多远，路就有多远。

陆俨少说：六分读书，三分写字，一分画画。很明显，说的就是中国画靠的是精神层面的东西。中国画特别是山水画，精神层面占的比例是很重的。我们学中国画，要么师古人，要么师造化，读万卷书行万里路，这几点是跑不掉的。我们思考一下，该不该这么走，该怎么走下去。

（2018清华美院书画高研班教学侧记）

莫肇生写生作品欣赏